“Telémaco” Seleccionado en el “MCM FILMFEST” en Holanda :Una forma de poder volver a la ciudad de Venlo…

Aquí la estación de trenes de Venlo por la que llegamos a la ciudad.

Hoy, día 9 de Mayo hace exactamente 4 años que estaba paseando con mi padre por las calles de Venlo, una preciosa ciudad de Holanda. El motivo era que al día siguiente el Sevilla jugaba la final de la UEFA contra el Middlesbrough inglés en Eindhoven pero nosotros decidimos irnos unos días antes, y así poder hacer un poco de turismo en Holanda además de ir a la Final (también habíamos ido a Amsterdam). El lugar nos pareció precioso y acogedor, además nos hizo un tiempo casi veraniego (26 grados centígrados para ser exactos, como se puede ver en la foto). La verdad, es que pasamos unos días muy buenos por Holanda, pero como ambos ya conocíamos Amsterdam, y Eindhoven nos pareció una ciudad más industrial, lo que para los dos fue el verdadero descubrimiento del viaje (aparte de descubrir lo que era vivir que tu equipo ganara un título) fue conocer y pasar un día en Venlo. 

 Mi padre, Fernando Rodrigo Torrijos, en una calle de Venlo 

Por eso cuando me he enterado que mi cortometraje "Telémaco" ha sido Seleccionado en la Competición Oficial del "Festival Internacional de Cortometrajes de Venlo", me ha dado una gran alegría, porque para mí es una forma de volver a un lugar del que tengo un gran recuerdo y porque me hace ilusión que "Telémaco" conozca este lugar en concreto. También llamé a mi padre porque sabía que le iba a hacer una gran ilusión. Y es que, han pasado cuatro años ya, de aquel viaje, pero lo recordamos bastante a menudo. Ojalá a los habitantes de Venlo les guste tanto mi cortometraje como a mí y a mi padre nos gustó Venlo.

Respecto al Festival donde ha sido seleccionado, el "MCM Filmest", "International Short Film Festival Venlo", llega este año a su sexta edición. Y se celebrará del 17 al 19 de Junio. Esta es la 86ª Selección que consigue "Telémaco", la segunda en Holanda, después de la obtenida en el "International Film Festival Breda".  Otro motivo más para tener un buen recuerdo de la ciudad de Venlo.

"Asalto Informático" o el análisis más difícil de mi vida

Año 2001, se han dejado atrás todos lo miedos tecnológicos del llamado “Efecto 2000”. La informática se convierte cada día en algo más habitual en la vida y los hogares de los españoles.  Internet es un mundo por explorar y por fin es más fácil y económico hacerlo sin perder el teléfono de casa, sin molestos ruidos del módem y  a unas velocidades más decentes. La ley comienza a plantearse el mundo informático como un lugar donde se pueden cometer delitos. Año 2001, el momento perfecto para hacer una película sobre piratas informáticos o hackers.

Siempre que se mira hacia atrás parece fácil darse cuenta que temas tienen interés y están de actualidad  en cada momento, pero lo que tiene mérito es darse cuenta en el momento que está ocurriendo o que está apunto de ocurrir. Fernando H. Rodrigo fue capaz de ver las posibilidades que ya estaba dando la informática, e Internet y la revolución que estaba a punto de suceder. Un nuevo mundo para la diversión y el entretenimiento, para el trabajo, para el estudio, las comunicaciones… pero también para los delincuentes, porque cuando un mundo es virgen es más fácil explotarlo porque aún no están bien definidas las leyes.

Y de esto trata , exactamente, la T.V. Movie o película para televisión "Asalto Informático". En alguna ocasión se había tratado el tema de los ordenadores, la red y la informática, pero generalmente, en el celuloide parecían empeñados en tratarlo como un tema futurista o de ciencia ficción. Historias donde los ordenadores o las máquinas se rebelaban contra el hombre intentando hacer desaparecer o esclavizar el ser humanos. Películas como “2001 Una Odisea en el Espacio” ("2001 A Space Odyssey", de Stanley Kubrick, 1968)  donde “Hal 9000” el ordenador central de la nave donde viajan los protagonistas, se rebela e intenta matar a toda la tripulación para no reconocer que no es perfecta. “Terminator” ("The Terminator", de James Cameron, 1984) y todas sus secuelas donde otro ordenador central, en este caso Skynet, produce una guerra entre las dos superpotencias para quedarse con el plantea y esclavizar a la humanidad. O, por supuesto, el ejemplo de “Matrix” ("The Matrix"de Larry y Andy Wachowski,  1999), tan sólo dos años anterior a “Asalto Informático”, donde las máquinas, también, nos han esclavizado para utilizarnos como fuente de energía.  Un caso diferente sería el de "La Red” ("The Net" de Irwin Winkler, 1995) que aunque puede considerarse más cercana de la película que no os ocupa hoy, finalmente, se aleja al llevarse la trama a un tema muy recurrente del cine de Hollywood: una conspiración en el gobierno de los Estados Unidos. Por lo que un intento por llevar el tema de la informática y los ordenadores al mundo se termina alejando definitivamente de lo que son y pueden llegar a ser los ordenadores y la Red de Internet para cualquier ciudadano de a pie. Incluso, todo el uso que se le da al ordenador es muy poco creíble (recuerdo una escena donde Sandra Bullock enciende una chimenea es la pantalla de su ordenador, de un ordenador de 1995, con una animación nefasta y 256 colores, y ella hace como si eso la reconfortara e, incluso, calentara la habitación...). Por todo esto, porque se trata el tema desde un punto de vista diferente y mucho más cercano a la realidad del momento e incluso de los años venideros, el guión es un hallazgo.

Sin ningún “pero” en el planteamiento y la idea, después la película sí que se encuentra con algunos problemas a la hora de plasmar ideas del guión. Con un reparto conocido y de gran calidad ( aunque en ese momento aún no habían llegado a la cima de sus carreras) pero unos medios limitados (los presupuestos en una TV Movie no tienen nada que ver con los de las películas que se estrenan en las salas de cine) la película aunque interesante, no consigue lograr muchos de los objetivos propuestos y que si estaban sobre el papel en el planteamiento.

                                                                                                                  




Fernando H. Rodrigo Guionista 

de "Asalto Informático"

Hay cosas que aunque estén en el guió, después dependen del director, de los actores etc... para que aparezcan como debería en la película. Por ejemplo los diálogos son creíbles en cuanto a lo que dicen, según las palabras que estaban escritas en papel. Pero ocurre, que al ver la película a veces la manera de decirlas o el mal uso de los silencios afecta negativamente al diálogo, a la historia y a la propia película. De todas maneras, también se ve que la calidad de los actores, porque por ejemplo, a la actuación de Antonio Dechent (Ramos en la película), no se le puede objetar nada, a pesar de ser, desde mi punto de vista el papel más complicado (de los mejores detalles del guión y del personaje su adicción y búsqueda de tabaco en todo momento y todo lugar). Paco León (LX en la película) mucho antes de ser "el Luisma" en la serie "Aida" hace de "friky" informático, papel que te crees de principio a fin por la interpretación, caracterización y porque el personaje no cambia (nuevo logro del guión), no se vuelve valiente o un héroe, nunca deja de ser el raro del grupo ni tampoco, conquista a la chica Sigue con su forma de ser y su rol (como ocurre en la vida real) y con éste, se enfrenta a sus problemas hasta el final. La gente no cambia y menos en tampoco espacio de tiempo, por lo que todos los personajes terminan siendo creíbles ya que siguen siendo ellos mismos. Ramos es el único, que sin cambiar, sí que evoluciona, empieza a aprender e interesarse por el mundo de los ordenadores. Tampoco es una evolución brusca, ya que se va viendo a lo largo de todo el metraje como va sufriendo esa metamorfosis, ni de cambia su personalidad, digamos que se adapta a los tiempos.

Paco León en uno de los momentos de "Asalto Informático".

Uno de los problemas que tienen las películas de este tipo (tecnología, ordenadores...) es que es difícil representar qué es y cómo es lo que hace alguien con un programa informático, ya sea intentando averiguar una clave o entrando en un sistema. "Asalto Informático" también se enfrentó a este problema y su forma de resolverlo no fue nada satisfactorio. Ya que, parece más que estén jugando a los "marcianitos" que pirateando un sistema. No es algo que sea grave o te saque de la historia, ya que es una forma como otra cualquiera de contarle al público de una forma comprensible e inmediata lo que está ocurriendo. Uno de los hallazgos que le encuentro a la película (aparte del planteamiento y la historia) es el de como en un picado o montaje de imágenes, se nos presentan las inquietudes y forma de ser de los personajes sin decirse una palabra, ni explicarse nada más. Esto nos hace más comprensible y creíble la forma de actuar que tiene cada uno por qué ya sabemos como son desde que se nos presentan.

El montaje también destaca por encima del resto, sobretodo para ser una TV Movie. Pero aún así las escenas de acción (en especial la de las vías del tren) no terminan de funcionar en su puesta en escena. Por un tema de realización y también de la música. La música de Luís A. Ruiz parece muy inspirada (quizás demasiado) en la banda sonora original de "Pi" de Darren Aronofsky, 1998 y que su banda sonora está compuesta por Clint Mansell. En ambos casos es una música electrónica, que da a tecnología y ordenadores (al menos en aquellos tiempos) pero que funciona mejor en la película de Aronofsky porque, a diferencia de "Asalto Informático" no necesita otro tipo de temas que apoyen más la acción, el drama, los personajes o las relaciones entre estos ni a quedado tan desfasado ya que la tecnología en "Pi" es ficticia y casi pretende parecer más antigua que la tecnología de la fecha en que está ambientada la película). Por esto, Luís A. Ruiz consigue su intención de parecer tecnológico (aunque ahora, al igual que el diseño de la portada, tipografía e incluso menú del DVD, ha quedado desfasado) pero nada más y la película en general y algunas escenas en particular hubieran necesitado más registros por parte de la partitura.


En definitiva un buen intento donde destaca el planteamiento, el guión y algunos personajes pero que no termina de cuajar por pequeños detalles de producción, puesta en escena, actuaciones o música. De todas maneras os invito a verla, porque películas de esta temática y género no abundan en nuestro cine y porque hay momentos que merece la pena disfrutar (como, sobretodo, del Inspector Ramos o de LX manejando las cámaras de seguridad hacia el final). Gracias.

The Note/La Nota Finalista en el Certamen de Videocración "MálagaCrea"

Mi cortometraje "The Note/La Nota" ha sido elegido Finalista en el "Certamen de Videocración MálagaCrea" 2010. Este es el décimo Festival en total, donde se reconoce al cortometraje rodado en Blanco y Negro, el sexto en nuestro país y segundo en la ciudad de Málaga. 

Los Festivales fuera de nuestras fronteras, donde "The Note/La Nota "estuvo en Competición Oficial, se celebraron en los países de: Estados Unidos, Cuba, Polonia y esta misma semana comenzará un Festival donde competirá en Alemania. 

La Caja Blanca, Espacio de Creación y Arte Joven, será el lugar donde se expondrá el cortometraje.

Michael Nyman y David McAlmont o la unión que me permitió disfrutar por fin en directo de “Time Lapse” y de “The Departure/The Arrival”.

Tengo un gran respeto y admiración por el compositor Michael Nyman y soy consciente de que se merecía que la primera entrada que escribiera sobre música y sobre él en el blog, hubiera sido sobre su persona y su extenso trabajo en solitario (o mejor dicho, con su banda la que le acompaña siempre, la “Michael Nyman Band”) pero da la casualidad de que su último disco llamado “The Glare”, no lo ha realizado en solitario, sino junto al cantante David McAlmont y no quería dejar pasar la oportunidad de hablar de este trabajo que, ha resultado una agradable sorpresa.

Todo comenzó en 2002, cuando en el londinense museo Sigmund Freud, se encontraron ambos artistas y estuvieron hablando (aunque el propio Nyman reconoce que no sabía quien era David McAlmont, que tuvo que preguntárselo) despidiéndose con un “algún día deberíamos trabajar juntos” que dijo Nyman. Y ahí se quedó, hasta que en 2008 contactaron a través de Facebook (para que luego digan que profesionalmente no sirven para nada las redes sociales), comenzaron a reunirse y así nació “The Glare”.

El vocalista, inspirado en las obras del pintor francés del siglo XIX, Théodore Géricault, donde se retrataba la vida contemporánea de entonces, decidió que las letras de las canciones plasmarían la actualidad que nos rodea. ( Por  ejemplo :“Take the Money and Run” habla de los errores bancarios que han sucedido en los últimos tiempos, “Friendly Fire” trata sobre la eutanasia o la canción que da nombre al disco “The Glare” habla de los realities shows que se emiten en la televisión). Pero no quería que sonaran a política, sino hacerlas canciones personales, hablar desde pequeñas historias de gente que vive esas situaciones.

Yo tuve la suerte de ir al concierto del 23 de Febrero en Madrid. Fue muy intenso en emociones. En la parte que actuaban los dos artistas (en la que tocaron el disco de "The Glare") las canciones que más me llegaron fueron:"Secrets, Accusations And Charges" (Con la música de Gattaca, "The Arrival/The Departure",  acompañando a la voz) "In Laos" (Con una maravillosa versión de "Time Lapse" mucho más lenta, e incluso, cambiando la partitura original). Y después dos canciones más animadas musicalmente hablando: "City Of Turin" y "A Great Day In Kathmandu" (Los instrumentos de cuerda a toda velocidad es una de las marcas de la casa de la “Michael Nyman Band” siendo también un espectáculo estético y visual ver esos brazos sincronizados los unos delante de los otros moviéndose para crear música). 


No era la primera vez que tenía la oportunidad de ver al compositor británico en concierto , ya en el verano de 2007, tuve la fortuna de verlo en directo en el patio central del Conde Duque en los Veranos de la Villa. Esa vez el espectáculo fue junto a la Orquesta Chekara de Tetuán. Los dos conciertos fueron espectaculares por razones diferentes. La magia del lugar en el primero, la mezcla de ambas músicas y culturas y, el momento en que tocaron "Miranda" fue lo más destacado del primer concierto. La voz de David McAlmont, el momento en que Michael Nyman decidió que volvería a tocar "The Heart Asks Pleasure First" de la banda sonora de "El Piano" y, sobretodo, cuando, por fin pude escuchar en directo, por fin pude disfrutar, de "Time Lapse” y de “The Departure/The Arrival” de la banda sonora de "Gattaca" en sus versiones originales: sólo Nyman, su orquesta, las frases musicales repitiéndose una y otra vez y yo intentando retener en el tiempo el momento y cada nota que flotaba por el Circo Price.

Al final de ambos conciertos Michael Nyman (en el segundo también David McAlmont) estuvo a disposición de quien quisiera, para poder hablar con él o para que te firmará un disco. En ambas ocasiones tuve la misma impresión de él, la de una persona sencilla y cercana que sólo quiere hacer su música, en la que cree fervientemente. En el primer concierto le compré uno de los pocos discos que no tenía de él, "Six Celan Songs-The Ballad of Kastriot Rexhepi" el cual me firmó. Aquí está la foto.

 En el segundo concierto me pasó una anécdota: yo hacía tiempo me había comprado un libro sobre la música "Minimalista" que escribió Michael Nyman en 1974, llamado: " Música Experimental. De John Cage en adelante" un libro bastante difícil de conseguir. El propio Nyman lo decía en el prólogo de su segunda edición: "El libro era constantemente robado de las bibliotecas y cambiaba de manos a precio de coleccionista". Me llevé el libro al concierto para que en vez de un cd me firmara el manuscrito. Allí entre todo el barullo, había una chica a la que le dabas tu cd se lo pasaba al compositor y él lo firmaba. Había muchísima gente e iba todo muy rápido, no le daba tiempo ni de levantar la mirada, pero, entonces, llegó mi libro (su libro en realidad) a sus manos y entonces se paró, levantó la vista y empezó a mirar, le preguntó a la chica que quien le había dado el libro y entonces, me señaló a mí. Me dijo que me acercará, me dio la mano y con una sonrisa de oreja a oreja me preguntó que cómo me llamaba. La gente estaba esperando pero a él le daba igual, así es que le dije"George, my name is George, in spanish is Jorge but..." pero antes de que pudiera continuar y decirle que no importaba, que lo pusiera en inglés, me lo dedicó poniendo "For Jorge, Michael Nyman" finalmente me dijo que le hacia ilusión que alguien en España tuviera su libro y luego, siguió firmando discos a sus fans.

Una vez más fue un placer verle en directo señor Nyman hasta la próxima. Señor McAlmont cuide esa gran voz, me alegro que quisiera ponerle letra a la música de Michael Nyman. 

Star Guitar: Beats, Naranjas y Cintas de Vídeo.

Hoy me gustaría hacer mi primera entrada sobre una de las disciplinas artísticas que aún no había tocado en el Blog: el Vídeo Musical o Videoclip. Y sí, he dicho bien: disciplina artística. Porque a pesar de haber mucha paja y tener que ver cada año cientos y cientos de videos musicales horribles (pasa lo mismo con la literatura, el cine, la música o el arte, ¿Cuántas obras merecen la pena en todas estas disciplinas a lo largo de un año? al menos los videos musicales duran menos…). Estos vídeoclips sin calidad, por desgracia, son mayoría. Y cuando te encuentras con uno, literalmente, dan ganas de quitar la televisión y no volver a encenderla jamás y de llamar por teléfono a tu compañía de ADSL y darte de baja en Internet para el resto de tus días. Pero claro, luego te encuentras con que entre tanta basura, hay algunos Vídeos Musicales que son auténticas obras de arte que merecen ser visionadas una y otra vez. Normalmente, porque tienen un concepto visual diferente a lo que nos han acostumbrados a ver en los medios de comunicación. A veces, crean un concepto visual propio tan original y tan rico, que claro, la televisión, el cine y sobretodo la publicidad, lo terminan copiando, estropeándolo para llevarlo al Mainstream. 

Hoy, quiero hablar y compartir con vosotros una de esas perlas, una de esos vídeos que merecen la pena ver una y otra vez, una de esas obras de arte (desde mi humilde opinión, por supuesto, como todo lo que escribo en este Blog) a las que me refería antes: el Videoclip de The Chemical Brothers: “Star Guitar”, dirigido por el francés Michel Gondry. El Vídeo Musical no es nuevo data de 2001, por lo que el análisis puede hacerse con más perspectiva. Y ésta, precisamente, es otra de las razones por las que considero este Vídeoclip una obra de arte, porque ha resistido perfectamente el paso del tiempo, porque no ha perdido frescura, ni belleza, ni originalidad en estos últimos 9 años (que en el audiovisual y, más aún, en lo que se refiere a algo tan efímero y ceñido a la moda del momento como son  los Vídeoclips, es muchísimo tiempo). Yo, de hecho, creo que ha ganado con el tiempo.

En una breve sinopsis se podría decir que el Vídeoclip trata sobre lo que se ve desde la ventana de un tren durante un trayecto o recorrido. Aunque la sinopsis es poco explicativa ya nos avanza un punto importante, que sin entrar en el concepto, la estética o la realización, ya lo diferencia de la inmensa mayoría de Vídeoclips con los que nos bombardean a diario. Esto es debido a que se trata de un Vídeo Musical donde a) No aparece el grupo en ningún momento b) No aparece nadie cantando ni bailando c) No aparece el protagonista de la historia que se cuenta, vemos a través de sus ojos. De todas maneras, con la explicación sólo tenemos una diferenciación hacia el resto aún no nos da pistas de porqué es una obra de arte. Aunque es un buen punto de partida, porque enseñar  la magia que tienen los viajes en tren, los paisajes que se ven y la cantidad de cosas que se pueden pensar o recordar simplemente por mirar por una ventanilla desde nuestro asiento empieza a hacerlo más interesante. Michel Gondry, de todas maneras, fue más allá de intentar diferenciarse o de hacer un vídeo donde alguien contemplan un bello paisaje, y aprovecho tanto el marco que ofrecía el medio (imágenes desde la ventanilla de un tren), hasta el fin (la canción en sí misma) para crear una historia que aunque sabes lo que va a seguir pasando, es tan dinámico que quieres ver cual será el siguiente detalle y ver cuando se repite el anterior.   

Me explico: la música que hacen Tom Rowlands y Ed Simons (The Chemical Brothers) es música electrónica, que además generalmente es de baile, aunque también, tienen algún tema más tranquilo como por ejemplo: The Pills Won't Help You Now” del álbum “We Are The Night” (2007). (Un inciso: les vi en directo en el Creamfield de 2005 en Almería y tras estropeárseles dos veces el ordenador y suspender el concierto volvieron una tercera vez porque no nos queríamos ir sin verles y dijeron: "Todos los que os habéis quedado os merecéis que lo volvamos a intentar". Empezaron de nuevo y, esta vez sí, a la tercera fue la vencida. El concierto duró cerca de tres horas, y ha sido uno de los más intensos y de los que más he disfrutado en mi vida). Pero volviendo al Videoclip, el hecho de que hagan música electrónica y utilicen muchos beats fue aprovechado por el director francés a la perfección, ya que se le ocurrió crear una perfecta simbiosis entre los elementos que se ven desde el tren y la música, con todos esos beats en distintas pistas. Hizo que cada elemento que apareciera a través de la ventanilla, cada elemento que se viera correspondiera con una pista, con un sonido, con un beat de la canción. Así, por ejemplo el primer beat (golpe musical) se correspondería por una de esas columnas que sostienen los cables de alta tensión de la vía de enfrente. Y así, cada elemento que está asociado a un sonido concreto, aparecerá el mismo número de veces repetido en pantalla  que el sonido se escuche en la canción. Quizás parezca un lío, así, explicado con palabras, pero os puedo asegurar que es muy sencillo y que en cuanto hayáis visto cinco segundo del Vídeo lo comprenderéis. Por si acaso, os dejo aquí el “Making of” contado por el propio Gondry y que aparte de contarnos el proceso nos hará una demostración de la idea con distintos elementos de andar por casa, como unas naranjas o algunas cintas de video. No tiene desperdicio.

La idea puede parecer sencilla, (e incluso minimalista en el sentido musical de la palabra ya que hay un pulso constante, y repetición de frases musicales, aunque la música electrónica de baile siempre se ha basado, al igual que la música minimalista, en estas dos características) pero para mí, que sea sencillo es un valor más, que ratifica mi opinión. Quizás cuente algo que todo el mundo a podido hacer muchas veces en su vida, como es seguir el ritmo de una canción con algo en concreto, un movimiento o lo que sea, pero este hecho no le resta ningún mérito, porque está contado de una manera diferente y, visualmente, muy atractiva y está muy bien sustentado y justificado por el tipo de música que le acompaña. Esto último tiene gran importancia porque realmente, esta música, la canción de "Star Guitar", es el único motivo y fin por el que se hizo este Vídeo Musical. 

Por todos estos argumentos y otras causas que, quizás, no se pueden explicar con la razón (las cosas te gustan o no, aunque no sepas el motivo) para mí es un Vídeo Musical que no me canso de ver (de hecho sólo me gusta escuchar la canción si estoy viendo el Vídeoclip, para mí la obra completa son los dos elementos juntos), que me transmite sensaciones, que me atrae lo que cuenta y como lo cuenta, (quizás también porque me encanta el tren, sus paisajes y sus sonidos) y que me parece una OBRA de ARTE (sí, con mayúsculas), enhorabuena Michel, Ed y Tom. Espero que os haya gustado la entrada de hoy. Gracias por leerme. Mañana más.


Si alguien no está de acuerdo con mi opinión, al menos que le eche un vistazo y me dé una o, mejor, que me dé muchas buenas razones para intentar convencerme de que no lo es.


Aquí tenéis "Star Guitar". Música de The Chemical Brothers, Video de Michel Gondry. 

"The Note/La Nota" Seleccionado en el "Back Up Festival" que se celebrará en Weimar, Alemania del 6 al 9 de Mayo.

Mi cortometraje "The Note/ La Nota" formará parte de la Selección Oficial en competición del "Backup Festival". El Festival tendrá lugar en la ciudad alemana de Weimar y celebrará su 12 edición desde el próximo Jueves día 6, hasta el Domingo día 9.


Esta Selección tiene un enorme mérito, ya que el Backup Festival en esta duodécima edición, ha recibido más de 1200 cortometrajes de artistas de todo el mundo.


El objetivo del Festival es promover formas innovadoras y creativas de hacer cine más allá del cine comercial.



Tras haber conseguido el Premio al Mejor Cortometraje de Ficción del Jurado de la Prensa Nacional Cinematográfica en el "Festival Internacional Del Cine Pobre de Humberto Solás" en Cuba la semana pasada. El cortometraje protagonizado por Laura Amante viaja ahora, en su novena parada, a tierras alemanas. Continuando su periplo por festivales de todo el mundo. 

Charles Avery: El Charles Darwin del Arte Moderno

Lo reconozco, tengo una extraña debilidad por los museos de Arte Moderno. Quizás sea por la dificultad que existe para encontrar uno en nuestro país, o quizás porque es de los pocos lugares que no sabes que es lo que te puedes encontrar o, a lo mejor, es porque es un museo diferente donde existe algo más que las paredes para demostrar a qué se le puede llamar arte. No lo sé, pero lo cierto es que cada vez que me encuentro en una ciudad que tiene uno de estos museos, termino investigando y disfrutando de esos edificios llenos de obras de arte de artistas que aún respiran entre nosotros y a los que aún no se estudia en ningún colegio del mundo. Lo hice en Glasgow, lo hice en Estocolmo, lo hice en Nueva York y también lo hice en Edimburgo.  En el caso de Edimburgo, estaba allí celebrando con Carla sus últimas horas con 23 años (se me ocurrió que sería un buen regalo de cumpleaños pasar unos días juntos en la Atenas del Norte).

Aquí podemos ver a Carla delante del Museo de Arte Moderno de Edimburgo 

el día antes de cumplir los 24 años.

En Edimburgo hay museos de todo tipo, en casi cualquier calle (de escritores, juguetes, ropa...) pero dejamos para el último día de nuestra estancia el ir al Museo que yo de verdad quería visitar, el de Arte Moderno. Bastante lejos del centro, (fuimos en un taxi y vivimos una aventura de casi dos horas de caminata para volver) nada más llegar te das cuenta de que estás ante algo diferente, y, aún sin haber visto nada ya tienes la sensación que ha merecido la pena ir.






Éste es el lago que hay junto al Museo de Arte Moderno
de Edimburgo.

Hay una puerta exterior, que da a, lo que parece, unos terrenos pertenecientes al museo, como si de un palacio se tratara. Aquí te espera un pequeño paseo por un camino con bancos junto a un jardín y numerosos árboles (desde luego, la naturaleza, la vegetación y el verde en toda Escocia, es impresionante) donde pude contemplar el lago más original que he visto en mi vida. Al final del caminito, ya espera el Museo, un gran edificio, que infunde bastante respeto con una fachada del griego clásico (no es el único lugar de la ciudad donde tendrás la sensación de estar en un templo griego, supongo que por eso la llaman la Atenas del Norte) y que da cuenta de la importancia del lugar que estás a punto de visitar.

Ya dentro, nos encontramos con una maravillosa exposición de Charles Avery (1973, Oban, Escocia) llamada "The Islanders: An Introduction" (Los Isleños: Una Introducción). Una de las cosas que llamaba la atención era la variedad de la exposición y que jamás se ve en un museo convencional, el autor presenta "su mundo" a través de dibujos a lápiz. Estos dibujos en muchos casos tenían un gran tamaño, y nos sorprendía que en algunos de ellos, los trazos borrados seguían distinguiéndose y formaban parte de la composición, dándole dinamismo y sensación de movimiento en muchos casos. también en algunos de estos cuadros a lápiz utilizaba tinta china para destacar algún detalle sobre el resto, como si no formara parte realmente de lo que aparece en el resto de la escena. 

En estos dibujos y en muchos otros elementos de la colección está retratada una sociedad extraña, que crea un cierto rechazo visual (casi obligándote a aparta la mirada hacia otro lugar) recargada, decadente y en algunos casos, tras ver los paisajes y animales mutados que aparecen, una sociedad que ha sobrevivido a algún tipo de catástrofe. En este mundo, hay elementos recurrentes que aparecen en varias piezas como: el pequeño hombre del sombrero oriental, que parece arrastrarse por todos los lugares que quedan de esta "nueva" sociedad, pero como si nadie le hiciera caso, como si no existiera(en una pieza, donde aparece este pequeño hombre con sombrero oriental dos veces en dos poses diferentes, el autor lo llama "Cosciencia", quizás un mensaje de que se arrastra por una sociedad sin ciencia ni conciencia, con sólo la intención de comerciar) al igual que los diminutos hombrecillos ataviados de sombrero y chaqué en una pose muy aristocrática pero en lugares que no parece tener qu corresponderle y rodeado de personas que pertenecen a otra clase social, y que ni siquiera le prestan la más mínima atención, dejándolos aún más fuera de la escena representada.

                                                     Coscienza 60.5 X 27.5 cm - 2008

Otra de las maneras que el autor presentaba esta colección de su obra en el Museo de Arte Moderno de Edimburgo, era con la escultura. Aquí destacan esos animales mutantes, que casi producen repulsión, y que quizás, representen esa superviviencia a algo catastrófico, que el autor parece señalarnos que ha ocurrido. Y que, además ha provocado que haya existido una elección natural entre los animales para que hayan podido sobrevivir, que hayan conseguido la supervivencia las especies más fuertes. En  este caso no parece haber sido ninguna especie conocida, sino que se ha necesitado de la unión de dos especies, o de dos individuos de la misma especie para adaptarse a los nuevos tiempos. Como si el autor nos hablará de un nuevo origen de las especies ("El Origen de las Especies" es un libro de Charles Darwin, que en 1859, ya habla de la evolución de las especies. Incluso hasta su sexta edición en 1872, el título del libro había sido: "El origen de las especies por medio de la selección natural, o la preservación de las razas favorecidas en la lucha por la vida"). Además, estas criaturas también puede representar al mundo actual, en lo que se ha convertido, una deformación, una abominación de lo que fue. 

Aparte de las esculturas, la temática de los animales, de las nuevas especies que han sobrevivido, de esas abominaciones que han quedado,  llegan a un estadio más realista (algunas piezas eran increíblemente reales) para lo cual el autor utilizó el proceso de la taxidermia, con una perfección y un detalle que llegabas a creer que esa especie, que ese animal existía. Sólo puedes saber que no era posible porque eran representaciones de esos animales inventados por el autor, mezcla de más de un animal conocido o existente. Una vez más, el autor vuelve a dar origen a nuevas especies con sus propias manos. Esta vez, llevándolo un paso más lejos, haciendo que todo el museo se convierta en un mundo real, en un mundo creado por él, en su mundo.

En el museo también podías encontrarte instalaciones, que expuestas de una forma aparentemente desordenada, llamaba bastante la atención. Pero este desorden no era precisamente un hecho azaroso, sino premeditado y lógico, ya que es otra manera de seguir apoyando la atmósfera de toda la exposición, de todo el museo. Un ambiente de caos que reina en este mundo representado por Charles Avery y que cada vez vemos como más real.

Aparte de todos estos elementos la exposición estaba repleta de texto: proposiciones filosóficas, texto extenso y explicativo de las obras, de donde se puede llegar a vislumbrar cómo es el mundo que ha creado, como se ha dado origen a esas nuevas especies, e incluso algunos de los motivos que le han impulsado al autor a realizar esta exposición.

Incluso, como curiosidad, para esta sociedad ficticia, para este mundo que se desmorona, creó etiquetas de latas de conservas y otros productos. Como si, aunque todo se viniera abajo, la parte comercial, la parte económica e, incluso, la cultura publicitaria, también tendrían que formar parte de cualquier mundo habitado por el hombre (¿Otra crítica más del autor de la sociedad en que vivimos?) De hecho la actividad comercial (bares, tiendas etc...) también se repite en varias ocasiones en sus dibujos. Este dibujo a lápiz ("Avatars", 2005) engloba prácticamente todo el sentido y significado de la exposición, del mundo que refleja. Tenemos la actividad comercial que acabamos de comentar, las nuevas especies a las que se han dado origen. Es curioso y representativo hasta el nombre, Avatars, que puede arrohar más luz sobre las intenciones y significado de la obra. En el marco del hinduismo, un avatar es la encarnación terrestre de un dios, en particular Vishnú. El término significa ‘el que desciende’; La palabra también se utiliza para referirse a encarnaciones de Dios o a maestros muy influyentes de otras religiones apartes del hinduismo, especialmente a los adherentes a tradiciones dhármicas cuando tratan de explicar a personajes como Cristo. Por lo tanto los animales, esas abominaciones para el ojo pueden ser un ser superior reencarnado, una especie mejor, una reencarnación en un ser vivo mejor, pero que estén comerciando con ellos vuelve a colocar al hombre, a la sociedad, al mundo en el caos, porque están vendiendo a dioses, se han perdido todos los valores. Sigue sin haber una esperanza... En lo formal destacan esos trazos a lápiz que deberían ser borrados (que cualquier artista, dibujante o arquitecto hubiera borrado) pero que el autor deja con la intención de que formen parte de toda la composición, en este caso, se ve en los puntos de fuga.

El ejemplo más claro de la suciedad, del caos y la perdida de los valores de nuestra sociedad, que coge el sentido más religioso y espiritual de transformación, y de pureza y lo contamina, lo corrompe y no lo respeta es: La Cámara de la Eternidad. Un vaso hexagonal interior amurallado por espejos, iluminado por un espectro de arco iris de luces en el techo y el suelo, y cuadros como el de un salón de baldosas estilo Victoriano.Permite a la audiencia para visualizar una sección del mundo de los isleños y tener fe en su poder. La gaviota es un ser superior reencarnado llamado Mesudo. La simetría, el patrón y el embellecimiento se asemeja a la de la arquitectura de Oriente Medio, en concreto una mezquita o templo.

Pero volvemos a la sociedad de los valores perdidos: Charles Avery caracteriza a sus adoradores como forasteros, buscando la vida eterna prometida pasando pocos segundos dentro de la cámara. Define el interior sagrado como un lugar oscuro, sucio y con malas intenciones, con las colas para el stand de una eternidad brillante y prometedora. La mirada del forastero es la de gente desposeída que intenta entrar por turnos en la cámara de la eternidad para mantener el calor, no hay sentido de la ocasión, devoción, o de la excitación. Y una vez más nos da una clara impresión de que quiere utiliza su mundo de fantasía como un espejo satírico de nuestra propia sociedad. (Los espejos de la cámara, un lugar sagrado que refleja la bajeza de las personas de esta sociedad).

Se dice que Charles Avery pertenece a una nueva generación de artistas que pertencen al movimeinto "Altermodern", que significa "El arte se hace ahora, en respuesta a una sociedad global y como una reacción contra la normalización y la comercialización."  Esto explicaría la crítica que desea hacer y  la representación que hace de esta sociedad, aún haciéndolo desde la creación de una sociedad ficticia y hasta de su fauna y religión. Por eso si entras en una exposición como ésta, la evolución de las especies, su creación dejan de ser competencia de Charles Darwin y su libro "El Origen de las Especies" y pasan a serlo de Charles Avery y su libro: "The Islanders: An Introduction"

Para terminar me gustaría decir que fue un placer compartir con Carla esa visita al Museo de Arte Moderno y poder disfrutar con ella de esta exposición. 

Moraleja: merece la pena ir  a Museos de Arte Moderno.

BioShock o como una buena historia nunca envejece

La industria de los videojuegos siempre ha convivido con un problema: Aunque pongas toda la tecnología del momento al servicio del juego que estés desarrollando, la tecnología avanza y finalmente el juego queda obsoleto. Desde mi punto de vista sólo existen dos maneras de que un juego pueda evitar este escollo: 1) Que sea tan adictivo que los gráficos o los detalles técnicos, nunca fueran especialmente importantes, este caso se ve mucho en los juegos de las generaciones de 8 y 16 bits (aunque también es verdad que se miran con nostalgia y cariño y se le perdonan muchas cosas) y 2) Que la historia sea tan interesante, tan rica y esté tan desarrollada, que sólo por eso merezca la pena jugar una y otra vez.

"Bioshock" es un juego que salió el 21 de agosto de 2007. Tres años en tecnología y desarrollo en videojuegos, son muchos años, pero por este juego no parece pasar el tiempo, porque pertenece a ese segundo caso, porque gracias a su historia, no ha perdido ni un ápice de su magia o interés. Con esto no quiero decir que los gráficos no estén bien (de hecho, son de gran calidad aunque ya se han mejorado en su secuela"Bioshock 2", y se superarán con creces con el paso del tiempo), la banda sonora también es notable ya que aparte de las composiciones del juego en sí, viene acompañado de una gran cantidad de"Oldies" muy conocidos como "La Mer" de Django Reinhardt y la posterior versión de ésta, "Beyond the sea" de Bobby Darin, por citar dos de los temas más representativos. Por otro lado, la dirección de arte es espectacular, usando la arquitectura Art Decó como referencia, se consiguió crear una atmósfera de grandeza y decadencia a la vez.

Pero si hay algo que está por encima del resto, es sin duda la historia. En este caso, y al contrario de la gran mayoría de juegos e incluso, libros o películas, la fuerza de la historia no está en lo que le pasa al protagonista. En "Bioshock", la fuerza está en el lugar y en las circunstancias políticas y sociales que rodean a ese lugar donde se desarrolla el juego: Rapture. Una ciudad creada bajo el agua por Andrew Ryan, como una sociedad ideal poblada de los mejores científicos, artistas e industriales, que reniega del capitalismo, del comunismo o de la religión, entre otras cosas, y que se sustenta en la filosofía objetivista.  De hecho,  toda la filosofía, todos los ideales de Rapture, están inspirados en la novela "La Rebelión de Atlas" (incluso, entre muchos otros homenajes llamaron a un personaje muy importante en la historia del juego, al archienemigo de Andrew Ryan, Atlas, ) y la filosofía del objetivismo de la escritora y pensadora Ayn Rand, casi un anagrama del propio Andrew Ryan, fundador de Rapture. Hay muchos más detalles a lo largo del juego y del argumento, que acercan a la escritora con el creador de la ciudad submarina, que acercan la historia de Rapture a la de Atlas. Podéis encontrar todas las similitudes entre las doctrinas de Ayn Rand y Andrew Ryan, y otros homenajes del juego a la Novela de Rand: "La Rebelión de Atlas" en este Link. De todas maneras, tened cuidado porque la página desvela bastantes secretos de la historia.




Lo que le pasa al protagonista no es que carezca de importancia, sino que, lo que de verdad engancha es ir conociendo la historia de la ciudad sumergida de Rapture: su filosofía, creación, esplendor y finalmente, su decadencia. También, existen muchos personajes de gran profundidad, apoyados con unas voces interpretativas perfectas (el doblaje al español, también, raya a gran nivel)  y unos diálogos muy creíbles y trabajados, que serán fundamentales para poder seguir tu camino por Rapture, que enriquecen más el juego y, sobretodo que aumentarán tus curiosidad por saber qué es lo siguiente que puede llegar a pasar.

Yo he tenido la suerte de tener a un buen amigo trabajando en el desarrollo del juego: Jose Guillermo Miñana Capón, que trabaja en 2K Games en Londres (creadora del juego) y que desde que fue participando en el proyecto, sin contarme nada de la historia ni el desarrollo, me decía que debería jugarlo, que me iba a encantar y que el juego daría mucho de que hablar. Desde luego no se equivocó: Ganó numerosos premios en distintas categorías de páginas webs y revistas especializadas en videojuegos. Además fue el juego que más premios se llevó en 2007, en la "Electronic Entertainment Expo" de Los Ángeles, más conocida como "E3", que es la convención más importante del mundo de la industria de los videojuegos. Pero el premio más importante le llegaría en Octubre de 2007, cuando le otorgaron el BAFTA "Premio de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión" al "Mejor Juego del Año". Además, también fue finalista al BAFTA en la categoria al "Logro artístico".

Aquí tenéis a mi amigo Jose Guillermo Miñana con el BAFTA al "Mejor Juego del Año".

Además, de toda esta repercusión a nivel de crítica y premios y, por supuesto, de público (el juego fue un éxito de ventas durante 2007 y 2008) ahora, se está preparando la película del juego, que dirigirá el español Juan Carlos Fresnadillo (esperemos que la historia, los diálogos y la dirección de arte estén tan cuidados como en el juego... por favor.) y que tiene todos los elementos (historia, personajes, estética y acción) para convertirse en la mejor película jamás realizada sobre un videojuego.

Hasta Octubre de 2008 no apareció la versión de PlayStation 3, pero en cuanto salió a la venta,  mi amigo me lo regaló en su edición de coleccionista, para que por fin, yo también pudiera sumergirme en Rapture (muchas gracias Josegui), disfrutar de este gran juego y descubrir esta magnífica historia, que en principio dicen que puede dar para, al menos, cinco juegos. Hasta ahora, va por el segundo, aunque de éste ya os hablaré en otra ocasión. 

"Bioshock"es uno de los tres mejores juegos a los que he jugado en mi vida, os lo recomiendo encarecidamente. Y es que una vez que te sumerges en Rapture, no querrás volver a la superficie. 

Aquí os dejo el trailer donde aparece Andrew Ryan explicándonos porque decidió crear Rapture. ¿De verdad no os ha entrado curiosidad por conocer Rapture?